Ci sono videogiochi che nascono con l’obiettivo di stupire per grafica, tecnologia e produzioni milionarie. E poi ci sono progetti come Super Capone, realizzato dall’agrigentino Alberto Seminerio, che puntano su un’idea molto più semplice: far divertire.

Ed è proprio questa la forza principale di questo particolare platform giocabile direttamente da browser. L’idea prende chiaramente in giro i grandi classici del genere, a partire dall’immaginario di Super Mario, ma lo trasporta in un universo completamente siciliano, assurdo e volutamente demenziale.

Il risultato è un gioco che non vuole prendersi sul serio nemmeno per un secondo.

Un protagonista decisamente particolare

Dimenticate Mario, Luigi e compagnia.

Qui il protagonista è… un microfono.

Già questa scelta dice praticamente tutto sulla filosofia di Super Capone. Il personaggio attraversa i livelli saltando, correndo e affrontando ostacoli, ma ogni volta che va a sbattere o prende una bella botta, la situazione diventa immediatamente comica.

Il protagonista si lamenta, reagisce e soprattutto utilizza espressioni e frasi in perfetto stile siciliano.

Ed è proprio qui che il gioco trova una delle sue caratteristiche più divertenti: il dialetto e le situazioni assurde diventano parte integrante dell’esperienza.

Non siamo davanti al classico platform silenzioso nel quale il personaggio corre verso la fine del livello. Qui anche una semplice testata può diventare una gag.

Un platform che non vuole essere normale

La struttura prende gli elementi fondamentali dei platform tradizionali: correre, saltare, evitare ostacoli, raccogliere monete e cercare di arrivare vivi alla fine.

Il sito indica anche la possibilità di effettuare il doppio salto e, proseguendo nell’avventura, di ottenere nuove possibilità offensive, come il lancio di microfoni.

Ma la vera particolarità è il modo in cui questi elementi vengono reinterpretati attraverso la comicità.

Ogni livello sembra infatti voler aggiungere una nuova trovata, mantenendo quella sensazione di imprevedibilità che spinge il giocatore a continuare per vedere cosa succederà dopo.

I boss sono una delle trovate migliori

E arriviamo ai boss.

Il primo incontro mette davanti al giocatore il mitico Fonziu Purtusu Paladino, un personaggio talmente assurdo da sembrare uscito direttamente da una barzelletta siciliana trasformata in videogioco.

È proprio questo il bello: Super Capone non cerca di costruire un universo epico e credibile. Al contrario, prende nomi, situazioni e personaggi volutamente improbabili e li trasforma in protagonisti di una sfida platform.

Il risultato è una comicità che funziona soprattutto perché non si prende mai sul serio.

Un gioco potenzialmente infinito

Un altro elemento interessante è la struttura dell’avventura.

Super Capone è pensato per avere livelli e mondi che continuano, trasformando la partita in una sorta di sfida arcade nella quale cercare di andare sempre più avanti e ottenere un punteggio migliore.

Sono presenti anche una classifica e una Top Ten del mese, elementi che aggiungono quella componente competitiva tipica dei vecchi giochi arcade.

In questo senso il gioco funziona particolarmente bene per una partita veloce: si entra, si gioca, si ride, si cerca di superare il proprio record e magari si ricomincia subito dopo.

Agrigento protagonista

Uno degli aspetti più simpatici è poi l’ambientazione.

Il gioco porta il giocatore tra i Templi di Agrigento, trasformando un luogo fortemente legato alla storia e all’identità del territorio in uno scenario per una parodia videoludica completamente fuori di testa.

Ed è proprio questo legame con Agrigento a rendere Super Capone qualcosa di più di una semplice imitazione di Super Mario.

C’è una precisa identità locale.

Il dialetto, le battute, i personaggi, i riferimenti e l’ambientazione contribuiscono a creare un prodotto che sembra nato prima di tutto per divertire chi conosce quella cultura e quel modo di parlare, ma che può strappare un sorriso anche a chi arriva da fuori.

Semplice, ma con una sua personalità

Tecnicamente non bisogna aspettarsi una produzione paragonabile ai grandi platform commerciali.

Ma sarebbe anche completamente sbagliato giudicare Super Capone con gli stessi parametri.

Il suo obiettivo è un altro: creare un piccolo gioco immediato, ironico e accessibile, capace di trasformare una partita in una sequenza di situazioni demenziali.

E sotto questo aspetto l’idea funziona.

La semplicità diventa parte del progetto e permette al gioco di concentrarsi soprattutto sulla comicità e sulle trovate.

Il verdetto

Super Capone è una piccola follia videoludica che merita di essere provata soprattutto per la sua genuinità.

Alberto Seminerio prende la struttura del classico platform, la mescola con l’immaginario di Super Mario, ci mette dentro Agrigento, personaggi improbabili, boss completamente fuori di testa, frasi siciliane e soprattutto un protagonista che è… un microfono.

Il risultato è un gioco che non vuole dimostrare quanto sia sofisticato.

Vuole semplicemente farvi ridere.

E quando il vostro personaggio prende una testata, comincia a lamentarsi in siciliano e voi invece di arrabbiarvi vi mettete a ridere, significa che l’idea di fondo ha centrato il bersaglio.

Un platform goliardico, genuino e soprattutto divertente, nato dalla fantasia di un autore agrigentino che ha trasformato la propria ironia e il proprio territorio in un piccolo videogioco tutto da giocare.

VOTO: 8/10

Divertimento: 8,5
Originalità: 8
Comicità: 9
Giocabilità: 8
Longevità: 8
Ambientazione: 8,5

https://supercapone.vercel.app

Con SILENT HILL: Townfall, la celebre saga horror cambia ancora una volta pelle. L’azione si sposta nella Scozia del 1996, lontano dalla tradizionale ambientazione della serie, e sceglie una prospettiva completamente in prima persona. Al centro della vicenda c’è Simon Ordell, protagonista chiamato a raggiungere la remota St. Amelia, un’isola apparentemente deserta dove nulla è davvero ciò che sembra.

Fin dai primi momenti, Townfall punta meno sull’impatto immediato e più sulla costruzione dell’inquietudine. Strade vuote, edifici abbandonati, rumori indistinti e una nebbia quasi permanente contribuiscono a creare una tensione che cresce lentamente. Il gioco preferisce suggerire piuttosto che mostrare, lasciando al giocatore il compito di interpretare ciò che accade.

Una prima persona che aumenta la tensione

La scelta della visuale in prima persona è uno degli elementi più caratterizzanti dell’esperienza. Non si tratta soltanto di un cambiamento estetico: vedere il mondo attraverso gli occhi di Simon rende gli ambienti più chiusi e limita continuamente ciò che possiamo controllare con lo sguardo.

Un corridoio, una porta socchiusa o una stanza apparentemente vuota possono quindi diventare situazioni estremamente tese. Il giocatore non ha mai la certezza di sapere cosa si trovi alle proprie spalle.

Questa vulnerabilità si riflette anche nel gameplay. Townfall non costruisce la propria esperienza attorno agli scontri diretti: esplorare, osservare e capire quando è meglio allontanarsi diventano elementi fondamentali.

Sopravvivere prima di combattere

Le risorse limitate e la presenza di strumenti e armi non sempre sufficienti a risolvere ogni situazione spingono a un approccio più prudente.

Prima di affrontare una creatura conviene spesso capire l’ambiente circostante, individuare una possibile via di fuga e valutare se lo scontro sia davvero necessario.

Il risultato è una struttura che premia la pazienza. Un rumore dietro una parete, un movimento intravisto per pochi secondi o un’area apparentemente sicura possono diventare occasioni di tensione proprio perché il gioco non trasforma ogni incontro in una battaglia.

Il CRTV e il confine tra realtà e incubo

Tra gli strumenti più particolari a disposizione di Simon c’è il CRTV, un televisore portatile capace di intercettare segnali instabili.

La sua funzione va oltre il semplice gameplay. Il dispositivo diventa infatti un mezzo attraverso cui osservare e interpretare il mondo di Townfall, alimentando il dubbio su ciò che sia reale e ciò che appartenga invece alla dimensione dell’incubo.

È una soluzione coerente con la filosofia della serie: il giocatore non deve necessariamente ricevere tutte le risposte, ma imparare a leggere indizi, immagini e segnali.

Un’ambientazione diversa, ma riconoscibile

Portare Silent Hill su una remota isola scozzese è una delle principali novità del gioco.

La Scozia del 1996 offre scenari molto diversi rispetto alle ambientazioni più familiari della serie: il mare, gli edifici isolati, le strade deserte e la nebbia contribuiscono a creare una sensazione di isolamento particolarmente forte.

Eppure l’identità di Silent Hill rimane riconoscibile.

L’orrore non dipende dalla quantità di creature presenti sullo schermo. Al contrario, Townfall funziona soprattutto quando lascia il giocatore solo in un ambiente apparentemente normale, facendogli percepire che qualcosa non quadra.

Gli enigmi hanno un ruolo importante

Anche gli enigmi occupano uno spazio significativo nell’avventura.

La loro funzione non è soltanto rallentare la progressione: alcuni puzzle permettono di comprendere meglio gli eventi che hanno coinvolto St. Amelia. Documenti, oggetti e dettagli dell’ambiente acquistano progressivamente un significato più preciso man mano che vengono raccolti nuovi indizi.

Questo contribuisce a mantenere un ritmo più riflessivo.

Townfall vuole che il giocatore osservi attentamente ciò che lo circonda, invece di limitarsi a procedere da uno scontro all’altro.

Una storia da ricostruire

La narrazione segue una struttura che lascia spazio all’interpretazione.

La storia di Simon e il suo legame con St. Amelia vengono svelati gradualmente, evitando di spiegare immediatamente ogni elemento del mistero. Il giocatore è quindi chiamato a collegare informazioni, interpretare simboli e dialoghi e formulare le proprie ipotesi.

È una scelta particolarmente adatta alla serie, dove spesso il significato degli eventi emerge soltanto mettendo insieme diversi frammenti.

Qualche limite c’è

Non tutto funziona allo stesso livello.

La componente stealth non sempre risulta convincente e in alcune situazioni la tensione costruita dal gioco può perdere intensità. Anche il ritmo presenta qualche rallentamento, soprattutto nelle sezioni in cui la progressione sembra procedere senza offrire immediatamente qualcosa di significativo in cambio.

Sono aspetti che possono pesare soprattutto su chi cerca un horror più rapido e orientato all’azione.

D’altra parte, la lentezza è anche una parte importante dell’identità di Townfall. Il gioco non cerca di spaventare continuamente: preferisce costruire una sensazione di disagio che rimane sullo sfondo e cresce poco alla volta.

Su PS5 l’immersione è il punto forte

Sul piano tecnico, la visuale in prima persona valorizza particolarmente l’ambientazione.

Gli spazi chiusi, l’illuminazione e i paesaggi scozzesi contribuiscono a creare un’atmosfera coerente, ma è soprattutto la gestione dell’attesa a fare la differenza.

Townfall dimostra che non è necessario riempire ogni ambiente di mostri per generare paura. A volte è sufficiente attraversare un luogo vuoto aspettandosi che qualcosa accada.

Ed è proprio quel momento di attesa, quando non sappiamo se e quando arriverà il pericolo, a rappresentare uno degli elementi più riusciti dell’esperienza.

Il verdetto

SILENT HILL: Townfall sceglie di allontanarsi da alcune delle caratteristiche più tradizionali della serie senza rinunciare alla sua componente psicologica.

La prima persona aumenta il senso di vulnerabilità, l’esplorazione assume maggiore importanza rispetto al combattimento, gli enigmi contribuiscono alla narrazione e l’ambientazione scozzese offre al gioco una personalità distinta.

Restano alcune imperfezioni, soprattutto nella furtività e nel ritmo, ma il cuore dell’esperienza rimane solido.

Quando silenzio, nebbia, esplorazione e mistero funzionano insieme, Townfall riesce a ottenere ciò che un horror psicologico dovrebbe cercare: non mostrare necessariamente qualcosa di terribile, ma convincere il giocatore che potrebbe esserci qualcosa di terribile appena oltre ciò che riesce a vedere.

Voto finale: 8,5/10

Pro

• Atmosfera molto riuscita
• Prima persona immersiva
• Ambientazione scozzese efficace
• Mistero narrativo ben costruito
• Enigmi interessanti
• Buon equilibrio tra esplorazione e furtività
• CRTV originale

Contro

• Furtività non sempre convincente
• Ritmo talvolta lento
• Alcune sezioni possono risultare frustranti
• Approccio meno immediato per chi cerca un horror più action

In una frase

Townfall non prova a ripetere Silent Hill 2: costruisce un incubo diverso, più isolato e silenzioso, e nei suoi momenti migliori riesce a trasformare proprio l’attesa del pericolo nella sua arma più efficace.

fonte paladinidelvideogioco

Voto: 9/10

Una nuova guerra da combattere

Ci sono serie che non hanno bisogno di reinventarsi completamente per tornare a divertire. Ace Combat è sicuramente una di queste.

Ace Combat 8: Wings of Theve riparte dalle fondamenta dei suoi predecessori e costruisce un’esperienza che punta soprattutto su tre elementi: velocità, spettacolarità e divertimento.

Fin dalle prime missioni è evidente la filosofia del gioco. Non siamo davanti a un simulatore di volo e non vuole esserlo. Qui l’obiettivo è prendere il controllo di un caccia, lanciarci nel mezzo della battaglia e vivere combattimenti aerei che sembrano usciti direttamente da un film.

Ed è proprio questo il suo più grande punto di forza.

Combattimenti aerei sempre divertenti

Il sistema di volo rimane accessibile, ma non per questo banale.

Pilotare un aereo è immediato e permette di concentrarsi sul combattimento senza dover imparare decine di comandi complicati. Con il passare delle missioni, però, diventa sempre più importante imparare a gestire velocità, posizione, missili e manovre evasive.

Quando il cielo si riempie di nemici, la situazione cambia completamente.

Un momento stai inseguendo un caccia avversario, quello dopo hai un missile alle spalle, un altro nemico davanti e un obiettivo terrestre da distruggere. Bisogna prendere decisioni rapidamente e mantenere il controllo dell’aereo.

È qui che Ace Combat 8 riesce a dare il meglio.

La sensazione di velocità è convincente e alcune battaglie riescono a trasmettere una notevole sensazione di potenza.

Missioni spettacolari

La campagna cerca di variare il più possibile le situazioni di combattimento.

Non ci troviamo solamente ad affrontare altri caccia: alcune missioni coinvolgono obiettivi terrestri, unità navali e grandi formazioni di nemici.

La varietà contribuisce a evitare che l’esperienza diventi ripetitiva troppo rapidamente.

Ma il vero protagonista rimane lo spettacolo.

Ci sono momenti in cui ci si ritrova a volare attraverso le nuvole mentre intorno esplodono missili, aerei e strutture militari. In altri bisogna inseguire un bersaglio a tutta velocità, cercando di evitare gli attacchi provenienti dagli altri nemici.

Sono sequenze che riescono a trasformare una semplice missione in qualcosa di molto più cinematografico.

Una storia che accompagna bene l’azione

La componente narrativa mantiene il classico stile della serie.

La guerra fa da sfondo a una storia fatta di piloti, alleanze, conflitti internazionali e situazioni drammatiche.

Non tutti i momenti narrativi hanno lo stesso impatto. Alcuni dialoghi risultano leggermente troppo lunghi e in determinati passaggi il gioco insiste parecchio sulla componente drammatica.

Quando però la storia lascia spazio all’azione, il ritmo torna a funzionare molto bene.

I personaggi contribuiscono inoltre a dare maggiore personalità alla campagna e rendono le missioni qualcosa di più di una semplice successione di combattimenti.

Tecnicamente spettacolare su Xbox Series X/S

Su Xbox Series X/S, Ace Combat 8 riesce a mettere in mostra una componente tecnica di tutto rispetto.

Gli aerei sono molto dettagliati e le ambientazioni riescono a creare scenari spettacolari soprattutto durante le battaglie più grandi.

Nuvole, effetti atmosferici, esplosioni e combattimenti aerei contribuiscono a creare un’immagine molto dinamica.

Il vero merito, però, è nella regia delle missioni.

Il gioco sa creare inquadrature e situazioni capaci di far sembrare alcuni combattimenti delle vere scene cinematografiche.

Quando si passa a pochi metri dal terreno, si sale rapidamente verso le nuvole e ci si ritrova circondati da aerei nemici, la sensazione di essere dentro un film d’azione è davvero forte.

Una colonna sonora da applausi

La musica è un altro elemento fondamentale dell’esperienza.

La colonna sonora accompagna perfettamente le battaglie e aumenta l’intensità nei momenti più importanti.

Quando una missione sta entrando nella sua fase decisiva e la musica cresce insieme all’azione, il risultato è estremamente efficace.

È uno di quei casi in cui la colonna sonora non si limita ad accompagnare ciò che succede sullo schermo, ma contribuisce direttamente all’atmosfera.

Non è una rivoluzione

Il principale limite di Ace Combat 8 è probabilmente anche una delle sue caratteristiche più evidenti: non rivoluziona la serie.

Chi ha giocato molto ai capitoli precedenti potrebbe riconoscere immediatamente la struttura di base.

Questo non è necessariamente un problema, ma significa che chi si aspettava un cambiamento radicale potrebbe rimanere parzialmente deluso.

Anche la storia presenta alcuni momenti meno convincenti e non tutte le missioni hanno lo stesso livello di spettacolarità.

Sono comunque difetti che, nel complesso, non compromettono l’esperienza.

Il verdetto

Ace Combat 8: Wings of Theve prende una formula conosciuta e la ripropone con grande spettacolarità.

Il gameplay rimane il cuore dell’esperienza e continua a essere estremamente divertente. Le missioni sanno creare momenti spettacolari, la grafica riesce a valorizzare le battaglie e la colonna sonora accompagna perfettamente l’azione.

Non è un capitolo perfetto e non rappresenta una rivoluzione per la serie, ma non era necessariamente quello che cercavo.

Quello che volevo era un gioco capace di farmi sedere davanti alla console, prendere un caccia e pensare:

“Ancora una missione e poi smetto.”

E puntualmente, quella missione diventava un’altra.

⭐ VOTO FINALE: 9/10

PRO

• Combattimenti aerei spettacolari
• Ottima sensazione di velocità
• Missioni varie e coinvolgenti
• Grafica molto curata su Xbox Series X/S
• Colonna sonora eccellente
• Forte atmosfera cinematografica

CONTRO

• La formula è molto familiare ai veterani
• Alcuni dialoghi sono troppo lunghi
• La storia non mantiene sempre lo stesso livello
• Qualche missione è meno memorabile di altre

In una frase: Ace Combat 8 non reinventa il combattimento aereo, ma dimostra ancora una volta quanto possa essere spettacolare.

fonte paladinidelvideogioco

Un pezzo di storia del videogioco che trova nuova vita su PlayStation 5

Ci sono giochi che appartengono a un’epoca ben precisa, ma che ancora oggi riescono a conservare un fascino particolare. Alien Breed è uno di questi. La storica serie di Team17 torna su PlayStation 5 con una raccolta che celebra i suoi 35 anni di storia e permette di riscoprire una delle saghe più rappresentative dello sparatutto fantascientifico dell’era Amiga.

Avvicinarsi oggi ad Alien Breed significa fare un vero salto nel passato. Non ci troviamo davanti a un remake moderno, né a una produzione che cerca di nascondere la propria età. Al contrario, questa versione mantiene intatta l’identità originale della serie, proponendola a una nuova generazione senza dimenticare chi, invece, l’ha conosciuta tanti anni fa.

Ed è proprio questa la sua forza.

Un’ambientazione che non ha bisogno di presentazioni

Alien Breed prende un immaginario fantascientifico che negli anni è diventato praticamente universale: astronavi, corridoi metallici, laboratori, porte blindate e creature aliene pronte a sbucare dal buio.

La serie non vuole semplicemente mettere il giocatore davanti a una sequenza di sparatorie. C’è una costante sensazione di pericolo, soprattutto quando ci si trova a esplorare ambientazioni apparentemente tranquille, sapendo che dietro il prossimo angolo potrebbe esserci un gruppo di alieni.

È una fantascienza sporca, claustrofobica e molto legata alla cultura videoludica degli anni Novanta.

Un gameplay semplice, ma ancora efficace

Il cuore di Alien Breed rimane il combattimento.

Nei primi episodi ci muoviamo attraverso le strutture spaziali con una visuale dall’alto, esplorando ambienti, cercando oggetti, aprendo porte e affrontando continuamente creature aliene.

La semplicità iniziale nasconde però una buona componente strategica. Le munizioni non sono infinite e bisogna imparare a muoversi nell’ambiente, capire quando combattere e quando invece evitare uno scontro.

È un modo di giocare molto diverso da quello degli sparatutto moderni, dove spesso il giocatore viene guidato continuamente. Qui bisogna osservare, esplorare e, soprattutto, imparare dagli errori.

Il fascino del retro gaming

È proprio qui che Alien Breed 35th Anniversary trova la sua identità.

Giocarlo oggi significa confrontarsi con una filosofia di game design ormai quasi scomparsa. Le mappe non accompagnano il giocatore per mano, la difficoltà può essere severa e alcune situazioni richiedono pazienza.

Ma una volta entrati nella mentalità giusta, il gioco riesce ancora a divertire.

La soddisfazione non arriva soltanto dall’eliminazione dei nemici, ma anche dalla sensazione di aver superato una sezione difficile, trovato una strada nascosta o recuperato una risorsa importante.

Una serie che ha saputo evolversi

La raccolta permette anche di osservare l’evoluzione della saga.

Dai primi episodi bidimensionali si arriva progressivamente a produzioni più ambiziose, fino agli episodi tridimensionali Alien Breed 3D e Alien Breed 3D II: The Killing Grounds.

Questi capitoli sono particolarmente interessanti dal punto di vista storico perché mostrano il tentativo di Team17 di portare la serie verso una nuova dimensione.

Oggi la loro grafica può apparire inevitabilmente datata, ma bisogna guardarli con gli occhi dell’epoca. Allora rappresentavano un importante passo avanti e permettevano di vivere l’universo di Alien Breed con una prospettiva completamente diversa.

Non solo nostalgia

Il rischio di una raccolta retro è quello di vivere esclusivamente di nostalgia.

Alien Breed 35th Anniversary riesce invece a fare qualcosa di più interessante: permette di riscoprire il percorso della serie.

Non abbiamo quindi soltanto un vecchio gioco riproposto su una console moderna, ma una piccola fotografia dell’evoluzione tecnologica e creativa di Team17.

Si parte da un’esperienza arcade essenziale e si arriva progressivamente a una dimensione più complessa, mantenendo sempre al centro l’azione e l’esplorazione.

L’esperienza su PS5

Su PlayStation 5 il fascino dell’operazione è soprattutto legato alla possibilità di giocare comodamente una serie storica su una console moderna.

I controlli risultano più accessibili rispetto all’esperienza originale e le varie opzioni permettono di adattare la resa visiva ai propri gusti.

Per chi ama il look originale, mantenere l’impostazione retrò è probabilmente la scelta più affascinante. Per chi invece vuole un’esperienza più pulita, le possibilità offerte dalla collection permettono di rendere l’esperienza maggiormente adatta agli schermi moderni.

Un piccolo museo del videogioco

Uno degli aspetti che ho apprezzato maggiormente è proprio il valore documentaristico dell’intera raccolta.

Alien Breed 35th Anniversary non rappresenta solamente un modo per rigiocare vecchi titoli, ma anche una possibilità per conoscere una parte importante della storia di Team17 e del videogioco britannico.

Per gli appassionati di retro gaming questo aspetto aumenta notevolmente il valore della produzione.

I difetti

Naturalmente bisogna fare i conti con l’età dei giochi.

Alcune meccaniche oggi possono risultare poco immediate, la difficoltà non è sempre amichevole e i capitoli tridimensionali mostrano inevitabilmente tutti i limiti tecnici della loro generazione.

Chi cerca un moderno sparatutto fantascientifico potrebbe quindi rimanere spiazzato.

Ma sarebbe anche sbagliato giudicare Alien Breed utilizzando esclusivamente i parametri dei videogiochi contemporanei. Questa raccolta nasce proprio per preservare un’esperienza storica e permettere al pubblico di riscoprirla.

Conclusioni

Alien Breed 35th Anniversary è una raccolta che parla soprattutto agli appassionati di videogiochi e a chi vuole riscoprire una serie importante dell’epoca Amiga.

Non è un prodotto che cerca di trasformare il passato in qualcosa che non è mai stato. Al contrario, mantiene intatto il carattere originale della serie, compresi quei difetti che oggi fanno parte del suo fascino.

I primi episodi rimangono quelli capaci di regalare le sensazioni più immediate, grazie a un gameplay semplice, diretto e ancora divertente. Gli episodi 3D hanno invece un valore soprattutto storico e mostrano il percorso di trasformazione della saga.

Alla fine, Alien Breed 35th Anniversary è una macchina del tempo.

È il genere di raccolta che permette di ricordare quanto siano cambiati i videogiochi, ma anche quanto alcune idee semplici possano continuare a funzionare dopo decenni.

Alien Breed non ha bisogno di diventare moderno per essere interessante. Il suo valore sta proprio nell’essere rimasto fedele alle proprie origini.

VOTO: 8/10

Fonte paladinidelvideogioco

Fin dalle prime immagini, Marvel’s Wolverine si presenta molto diverso dalle avventure dedicate all’Uomo Ragno.

Qui non ci sono soltanto acrobazie e combattimenti spettacolari: l’obiettivo sembra essere quello di rappresentare la ferocia di Wolverine e il suo lato più tormentato.

Tra combattimenti brutali, atmosfera cinematografica

Il sistema di combattimento rappresenta uno degli elementi più interessanti del progetto. Gli artigli di adamantio diventano naturalmente l’arma principale di Logan, permettendo di affrontare i nemici con attacchi ravvicinati e particolarmente violenti. A questo si aggiungono la forza fisica e i poteri rigenerativi del personaggio, caratteristiche che possono offrire a Insomniac numerose possibilità per costruire un gameplay differente rispetto a quello di Spider-Man.

fonte blastingnews

Resonance: A Plague Tale Legacy: un nuovo incubo nel mondo di A Plague Tale

Asobo Studio torna nell’universo di A Plague Tale con un’avventura che cambia registro: più combattimenti, più esplorazione e una nuova protagonista, senza rinunciare al mistero e all’atmosfera che hanno reso celebre la serie.

C’è qualcosa di affascinante nel modo in cui Resonance: A Plague Tale Legacy prende un universo già conosciuto e decide di raccontarlo da un’altra prospettiva. Ambientato quindici anni prima di A Plague Tale: Requiem, il gioco mette al centro Sophia, giovane saccheggiatrice determinata a scoprire i segreti del proprio passato. XBOX Wire+1

Questa volta il viaggio conduce sull’Isola del Minotauro, un luogo misterioso e pericoloso dove mito, leggenda e maledizione si intrecciano. L’avventura alterna esplorazione, combattimenti, enigmi ambientali e momenti narrativi, proponendo una formula più orientata all’azione rispetto ai capitoli precedenti.

Più azione, ma l’anima è sempre quella

La novità più evidente è il combattimento. Sophia non è una protagonista costretta soltanto a nascondersi: lo scontro diretto assume un ruolo molto più importante, con parate, stordimenti e interazioni con l’ambiente.

È una scelta che rende il gioco più dinamico, anche se comporta inevitabilmente un allontanamento dalla formula più stealth dei precedenti A Plague Tale. Il risultato è sorprendentemente efficace: l’avventura sembra più vicina a un action-adventure cinematografico, pur mantenendo quell’atmosfera cupa e inquietante tipica della serie. PC Gamer

L’Isola del Minotauro è la vera protagonista

Uno dei punti migliori è l’ambientazione. L’isola è costruita come un enorme labirinto pieno di sentieri, segreti e rovine. Gli enigmi basati sulla manipolazione della luce aggiungono varietà all’esplorazione e contribuiscono a dare al viaggio un’identità molto diversa rispetto ai capitoli precedenti. xbox.com

Visivamente, Resonance convince soprattutto quando lascia spazio agli scenari e alla costruzione dell’atmosfera. Anche il comparto sonoro svolge un ruolo importante, accompagnando l’avventura con musiche capaci di sottolineare sia i momenti spettacolari sia quelli più inquietanti. PC Gamer

Una storia che amplia l’universo

La storia di Sophia funziona soprattutto perché non cerca semplicemente di ripetere quella di Amicia e Hugo. Resonance vuole espandere la mitologia di A Plague Tale, introducendo nuovi personaggi, nuove leggende e nuovi misteri legati alla Macula. XBOX Wire

Il risultato è un’avventura che può essere apprezzata anche da chi non ha giocato i capitoli precedenti, pur offrendo diversi elementi interessanti ai fan della saga.

E su Game Pass?

Qui Xbox piazza un colpo importante. Resonance: A Plague Tale Legacy è arrivato al day one su Xbox Game Pass, permettendo agli abbonati compatibili di giocarlo senza acquistare separatamente il gioco. È disponibile su Xbox Series X|S, PC e cloud, con supporto Xbox Play Anywhere. XBOX Wire+1

Per chi possiede Game Pass, quindi, il consiglio è particolarmente semplice: provarlo costa molto meno che acquistarlo a prezzo pieno e il gioco ha abbastanza personalità da meritare almeno una possibilità.

Il verdetto

Resonance: A Plague Tale Legacy rappresenta una svolta interessante per la serie. Non prova semplicemente a essere un altro A Plague Tale: aumenta l’importanza del combattimento, punta maggiormente sull’esplorazione e costruisce una nuova avventura attorno al mito del Minotauro.

Non tutte le scelte funzionano allo stesso modo e chi amava soprattutto lo stealth dei precedenti capitoli potrebbe rimpiangere quella formula. Ma quando combattimento, esplorazione e atmosfera si incontrano, Resonance riesce a offrire alcuni dei momenti più spettacolari dell’universo creato da Asobo Studio.

VOTO: 8,5/10

PRO:

• Atmosfera eccezionale
• Ambientazioni affascinanti
• Combattimenti più dinamici
• Enigmi basati sulla luce
• Nuova storia che amplia il mondo di A Plague Tale
• Incluso nel Game Pass dal day one

CONTRO:

• Meno stealth rispetto ai capitoli precedenti
• Alcune sezioni possono risultare più lineari del previsto
• Non tutte le novità convincono allo stesso modo

VERDETTO DELLA REDAZIONE:
Un nuovo viaggio nel mondo di A Plague Tale che cambia formula senza perdere completamente la propria identità. Se avete Xbox Game Pass, è una delle avventure da provare.
:::

Fonti paladinidelvideogioco

fonte paladinidelvideogioco

Voto: 8/10

MY HERO ACADEMIA: All’s Justice rappresenta il tentativo più ambizioso di trasformare l’ultima fase della storia di My Hero Academia in un’esperienza videoludica completa. Il titolo di Bandai Namco punta tutto sulla spettacolarità degli scontri, su un roster particolarmente ricco e sulla possibilità di rivivere alcuni dei momenti più importanti della saga attraverso il sistema di combattimento.

Su Nintendo Switch 2, questa formula trova una collocazione particolarmente interessante: la maggiore potenza della console permette di godere di un’esperienza più vicina alle versioni domestiche, mantenendo al tempo stesso la possibilità di giocare in portatile.

Il risultato è un prodotto convincente, anche se non privo di limiti.

Un sistema di combattimento accessibile

La principale novità di All’s Justice è rappresentata dal sistema di combattimento basato sulle squadre da tre personaggi. La possibilità di alternare i membri del team durante lo scontro aggiunge dinamismo agli incontri e consente di costruire combinazioni differenti a seconda dei personaggi utilizzati.

Il sistema è immediato e privilegia l’accessibilità rispetto alla profondità tecnica. È una scelta coerente con la natura del gioco, che punta soprattutto a riprodurre la spettacolarità dell’anime.

Gli attacchi speciali e le abilità legate ai Quirk sono infatti il vero elemento distintivo dell’esperienza. Gli scontri risultano visivamente appaganti e riescono spesso a restituire la sensazione di assistere a uno degli episodi più importanti della serie.

La componente tecnica, tuttavia, non raggiunge gli standard dei migliori fighting game. Alcuni combattimenti possono risultare caotici, mentre la gestione della telecamera e delle distanze non è sempre impeccabile. Dopo diverse ore emerge inoltre una certa ripetitività nella struttura degli incontri.

È un sistema pensato per essere spettacolare e immediato, non per diventare un punto di riferimento nel genere.

Voto: 8/10

La modalità storia punta sulla Final War

La componente narrativa è uno degli aspetti più importanti del gioco.

All’s Justice concentra la propria attenzione sulla fase conclusiva della storia e cerca di trasformare gli eventi della guerra finale in una successione di battaglie giocabili. La scelta consente di mettere il giocatore direttamente al centro degli scontri più importanti, alternando protagonisti e antagonisti.

Il limite principale è la necessità di comprimere una quantità considerevole di materiale narrativo. Chi non conosce già la serie potrebbe quindi avere difficoltà a seguire alcuni passaggi o a comprendere pienamente il peso degli eventi rappresentati.

Per chi arriva dopo aver seguito l’anime, invece, l’operazione funziona decisamente meglio. Il gioco non deve necessariamente spiegare ogni elemento della trama: può concentrarsi sul trasformare in gameplay momenti che il pubblico conosce già.

È una modalità che punta più sulla celebrazione della saga che sulla capacità di raccontarla nuovamente da zero.

Voto: 8/10

Un roster costruito per i fan

Il roster è uno dei punti di forza del titolo.

La varietà dei personaggi permette di affrontare gli incontri con approcci differenti e, soprattutto, valorizza la natura corale di My Hero Academia. Le differenze tra i vari Quirk contribuiscono a evitare che l’intero roster risulti semplicemente composto da variazioni dello stesso stile di combattimento.

La quantità di contenuti dedicati ai personaggi dimostra inoltre quale sia il pubblico di riferimento del gioco: All’s Justice non cerca di introdurre My Hero Academia a chi non conosce la serie, ma vuole offrire ai fan la possibilità di utilizzare i propri personaggi preferiti in una rappresentazione interattiva della fase finale della storia.

Voto: 9/10

La versione Switch 2

La versione per Nintendo Switch 2 è particolarmente interessante per la natura stessa del gioco.

La possibilità di giocare All’s Justice anche in modalità portatile rappresenta un valore aggiunto concreto. Il titolo si presta infatti sia a sessioni più lunghe sia a partite rapide, rendendo la console particolarmente adatta a questo tipo di esperienza.

Sul piano tecnico, tuttavia, non bisogna aspettarsi una trasformazione radicale del gioco. Switch 2 offre una base hardware più adeguata, ma non elimina automaticamente alcuni problemi legati alla telecamera, alle animazioni o alla gestione degli scontri più affollati.

Nel complesso, rimane comunque una versione convincente e, per chi possiede esclusivamente una console Nintendo, rappresenta un modo valido per giocare il titolo.

Voto: 8/10

Il vero problema: la profondità

Il limite più evidente di All’s Justice emerge quando si supera l’impatto iniziale.

Il gioco è efficace nel produrre spettacolo, ma meno convincente quando viene analizzato come picchiaduro. Le meccaniche sono sufficientemente solide da sostenere una campagna completa e numerose ore di gioco, ma non offrono la stessa profondità dei titoli più tecnici del genere.

Questo non rende il gioco mediocre. Significa semplicemente che il suo obiettivo è diverso.

All’s Justice vuole essere soprattutto un arena fighter spettacolare basato sull’universo di My Hero Academia, e all’interno di questa categoria riesce a raggiungere risultati decisamente buoni.

Conclusioni

MY HERO ACADEMIA: All’s Justice è un titolo difficile da valutare senza considerare il rapporto con il materiale originale.

Come fighting game presenta alcuni limiti evidenti: la profondità non è eccezionale, la struttura tende a diventare ripetitiva e alcune imperfezioni tecniche impediscono al sistema di combattimento di raggiungere livelli superiori.

Come prodotto dedicato a My Hero Academia, invece, convince molto di più.

Il roster, la rappresentazione della Final War e la spettacolarità delle battaglie riescono a valorizzare il principale punto di forza del gioco: permettere al giocatore di prendere parte direttamente agli eventi conclusivi della saga.

La versione Switch 2 aggiunge inoltre il vantaggio della portabilità senza sacrificare in maniera significativa l’esperienza complessiva.

Non è il miglior fighting game disponibile sulla console, ma non è nemmeno ciò che vuole essere. È un buon adattamento videoludico di My Hero Academia, costruito soprattutto per chi conosce e apprezza la serie.

Voto finale: 8/10

Consigliato a: fan di My Hero Academia, appassionati di arena fighter e giocatori interessati a rivivere la Final War attraverso il videogioco.

Meno indicato a: chi cerca un picchiaduro competitivo e tecnicamente profondo o chi non conosce l’universo narrativo della serie.

fonte paladinidelvideogioco

La Zona non è mai stata così pericolosa

Ci sono videogiochi nei quali tornare non significa semplicemente riprendere in mano un personaggio e continuare una storia. Significa tornare in un luogo che, nel frattempo, è cambiato.

S.T.A.L.K.E.R. 2: Heart of Chornobyl – Cost of Hope appartiene esattamente a questa categoria.

Dopo un percorso produttivo estremamente complesso e dopo una lunga serie di aggiornamenti che hanno progressivamente migliorato l’esperienza originale, GSC Game World riporta gli Stalker nella Zona con una grande espansione che non si limita ad aggiungere qualche missione e qualche arma.

Cost of Hope prova infatti ad ampliare il mondo di S.T.A.L.K.E.R. 2, riportandoci verso alcuni dei luoghi più iconici dell’universo della serie.

E soprattutto ci ricorda una cosa fondamentale: nella Zona non siamo mai veramente al sicuro.

Un ritorno al cuore della Zona

La grande novità dell’espansione è rappresentata dalle nuove aree esplorabili.

La Foresta di Ferro e soprattutto la zona della Centrale di Chornobyl rappresentano due ambientazioni che riescono a trasmettere immediatamente quella sensazione di inquietudine che ha sempre caratterizzato la serie.

La Centrale non è semplicemente un luogo famoso da visitare per nostalgia.

È un ambiente ostile, claustrofobico e imprevedibile, nel quale ogni corridoio può nascondere un pericolo e ogni rumore può trasformarsi nell’inizio di uno scontro.

GSC sfrutta molto bene la componente ambientale per costruire tensione.

Non abbiamo bisogno di continui jump scare o di musica assordante: spesso è sufficiente camminare in silenzio, ascoltare i rumori circostanti e osservare l’ambiente per capire che qualcosa potrebbe essere pronto a saltarci addosso.

È proprio questa capacità di creare tensione attraverso l’atmosfera uno dei maggiori punti di forza di Cost of Hope.

Una storia che amplia l’universo di S.T.A.L.K.E.R.

La nuova campagna si sviluppa parallelamente alla storia principale di S.T.A.L.K.E.R. 2.

Il punto di partenza è un segnale radio che conduce il giocatore verso una nuova situazione all’interno della Zona.

Da quel momento iniziano nuovi incontri, nuove missioni e soprattutto nuove situazioni nelle quali il confine tra alleato e nemico diventa ancora una volta estremamente sottile.

La narrazione non cerca di trasformare S.T.A.L.K.E.R. in un classico action game hollywoodiano.

Al contrario, continua a lasciare spazio all’interpretazione.

La Zona rimane misteriosa e spesso volutamente poco chiara.

Non tutto viene spiegato.

Non tutto ha una risposta immediata.

Ed è proprio questa caratteristica a rendere l’universo di S.T.A.L.K.E.R. così affascinante.

Cost of Hope riesce quindi a mantenere quella particolare filosofia narrativa fatta di dialoghi, esplorazione, incontri casuali e decisioni che possono cambiare il modo in cui affrontiamo determinate situazioni.

Combattimenti più intensi

Anche il sistema di combattimento beneficia indirettamente del lavoro svolto da GSC nel corso degli aggiornamenti.

Gli scontri rimangono duri e spesso punitivi.

Qui non siamo davanti a un normale FPS nel quale possiamo correre all’impazzata sparando a qualsiasi cosa si muova.

Le munizioni devono essere gestite.

Le armi devono essere mantenute.

Gli oggetti curativi sono preziosi.

E affrontare più nemici contemporaneamente può trasformarsi rapidamente in una situazione disperata.

I mutanti continuano a rappresentare una delle principali minacce della Zona e l’espansione introduce situazioni che spingono ancora di più il giocatore a osservare l’ambiente prima di agire.

La componente survival rimane quindi fondamentale.

Ed è probabilmente uno degli aspetti che più divide il pubblico: per alcuni rappresenta l’essenza di S.T.A.L.K.E.R.; per altri può risultare eccessivamente lenta e macchinosa.

Personalmente, ritengo che sia proprio questa durezza a distinguere il gioco dalla maggior parte degli FPS moderni.

La Zona è ancora la vera protagonista

Il personaggio principale può essere interessante.

Le fazioni possono essere interessanti.

Le armi possono essere interessanti.

Ma la vera protagonista rimane sempre lei:

la Zona.

È questo il grande merito di S.T.A.L.K.E.R. 2.

Camminare per ore senza seguire necessariamente la missione principale continua a essere una delle esperienze più soddisfacenti.

Un edificio apparentemente abbandonato può nascondere un’arma.

Una grotta può contenere un artefatto.

Un rumore può segnalare la presenza di un mutante.

Un’anomalia può trasformare una semplice passeggiata in una lotta per la sopravvivenza.

E mentre esploriamo, il mondo continua a vivere.

È questa imprevedibilità a rendere l’esperienza diversa da quella di un normale open world.

Graficamente impressionante su PS5

Dal punto di vista visivo, S.T.A.L.K.E.R. 2 continua a essere uno dei titoli più affascinanti disponibili su PlayStation 5.

La vegetazione, le strutture distrutte, le tempeste, la nebbia e gli effetti atmosferici contribuiscono a creare un mondo credibile e decadente.

La Zona non è bella nel senso tradizionale del termine.

È bella perché è malata, sporca, pericolosa e affascinante allo stesso tempo.

Su PS5 il gioco sfrutta inoltre le caratteristiche del DualSense, con feedback aptico e grilletti adattivi, mentre la versione PS5 Pro beneficia di ulteriori miglioramenti visivi. (S.T.A.L.K.E.R. 2)

L’audio merita una menzione particolare.

Passi, spari, vento, animali, mutanti e rumori ambientali contribuiscono continuamente alla sensazione di essere osservati.

Consiglio assolutamente di giocarlo con le cuffie.

In determinati momenti, il comparto sonoro riesce a essere più inquietante di qualsiasi immagine.

Update 2.0: finalmente una Zona più viva

Cost of Hope arriva accompagnato da un importante aggiornamento gratuito, l’Update 2.0, che rappresenta una parte fondamentale di questa nuova esperienza.

GSC ha continuato a lavorare sui sistemi interni del gioco, compreso l’A-Life, sul comportamento del mondo e sulle prestazioni.

Questo è particolarmente importante considerando che S.T.A.L.K.E.R. 2 aveva debuttato con diversi problemi tecnici.

A distanza di tempo, la situazione è decisamente migliorata e la versione PS5 beneficia del lungo lavoro di ottimizzazione effettuato dallo studio. (S.T.A.L.K.E.R. 2)

Non significa che ogni piccolo difetto sia completamente scomparso.

Qualche imperfezione può ancora emergere, ma il quadro generale è molto più solido rispetto agli inizi.

Un’espansione per chi ama davvero S.T.A.L.K.E.R.

Cost of Hope non è un contenuto pensato semplicemente per attirare nuovi giocatori.

È soprattutto un regalo agli appassionati della serie.

La Centrale di Chornobyl, le nuove aree, le nuove situazioni e il ritorno di elementi familiari rappresentano un enorme richiamo per chi conosce la trilogia originale.

Ma anche chi ha iniziato la propria esperienza con S.T.A.L.K.E.R. 2 può trovare parecchio materiale interessante.

L’unico vero problema è che il gioco continua a richiedere pazienza.

Il ritmo non è quello di un Call of Duty.

Non è un’avventura che vuole continuamente stupire il giocatore.

S.T.A.L.K.E.R. vuole invece che il giocatore si perda.

Vuole che osservi.

Vuole che abbia paura.

Vuole che commetta errori.

E soprattutto vuole che impari a rispettare la Zona.

VERDETTO

S.T.A.L.K.E.R. 2: Cost of Hope è un’espansione riuscita perché comprende perfettamente ciò che rende speciale la serie.

Non cerca di trasformarla.

Non elimina la componente survival.

Non rinuncia all’esplorazione.

Non semplifica eccessivamente il mondo.

Al contrario, prende la Zona e la espande con nuove ambientazioni, nuove minacce e una storia capace di regalare diverse ore di esplorazione.

La Centrale di Chornobyl rappresenta senza dubbio uno dei momenti più importanti dell’espansione e riesce a regalare quella sensazione di ritorno alle origini che i fan aspettavano.

Su PS5, inoltre, l’esperienza beneficia del lavoro di ottimizzazione accumulato negli anni e dell’integrazione con il DualSense.

Non è un gioco perfetto.

Alcuni problemi tecnici possono ancora emergere e il ritmo volutamente lento potrebbe non convincere tutti.

Ma quando S.T.A.L.K.E.R. 2 funziona al massimo delle sue possibilità, riesce a fare qualcosa che pochi altri videogiochi moderni riescono a fare:

trasformare un semplice open world in un luogo nel quale sembra davvero di essere sopravvissuti.

Cost of Hope è quindi un’espansione che consiglio soprattutto agli amanti della saga e a chi ha apprezzato Heart of Chornobyl.

Perché nella Zona c’è sempre qualcosa da trovare.

Un artefatto.

Un’arma.

Un nemico.

Un segreto.

O magari semplicemente un’altra storia da raccontare.

E quando pensiamo di aver finalmente capito la Zona…

la Zona ci dimostra che ci sbagliavamo.

VOTO: 9/10

PRO

• Atmosfera straordinaria
• Centrale di Chornobyl e nuove aree molto riuscite
• Nuova storia interessante
• Esplorazione sempre appagante
• Combattimenti intensi e tattici
• Sound design eccellente
• Importanti miglioramenti grazie all’Update 2.0
• Ottimo utilizzo del DualSense

CONTRO

• Alcuni problemi tecnici possono ancora comparire
• Ritmo non adatto a tutti
• Backtracking talvolta pesante
• La componente survival può risultare frustrante

fonte paladinidelvideogioco

Diciamolo subito: CAPTAIN TSUBASA 2: WORLD FIGHTERS non è un gioco di calcio realistico e non vuole assolutamente esserlo. Qui non conta soltanto segnare, ma soprattutto farlo con un Tiro della Tigre, una Catapulta Infernale o una delle tantissime super mosse che trasformano ogni partita in un vero episodio dell’anime.

Il nuovo capitolo di Tamsoft arriva sei anni dopo Rise of New Champions e prova a migliorare praticamente ogni aspetto dell’esperienza. Il risultato, soprattutto per chi è cresciuto con Holly e Benji, è un gioco capace di regalare parecchi momenti di puro entusiasmo.

⚽ Un calcio completamente fuori di testa

La caratteristica principale rimane il gameplay arcade. Dimenticate FIFA o eFootball: qui i giocatori corrono, saltano, effettuano dribbling impossibili e tirano palloni capaci di mettere seriamente in difficoltà i portieri.

Il sistema di gioco è stato rivisto e alcune meccaniche risultano più immediate rispetto al passato. Anche i portieri hanno maggiore importanza grazie a un sistema di parate più tattico.

La cosa migliore è sicuramente la sensazione che si prova quando finalmente si riesce a costruire l’azione perfetta e si scatena la super mossa del proprio giocatore. È puro fan service, ma fatto bene.

Su Nintendo Switch convince?

Sì, soprattutto per la natura del gioco.

La possibilità di giocare in modalità portatile rende World Fighters particolarmente adatto alla console Nintendo. Una partita veloce sul divano o durante un viaggio funziona alla grande.

Naturalmente non siamo davanti al titolo tecnicamente più impressionante visto su Switch, ma lo stile anime, gli effetti delle super mosse e le animazioni riescono comunque a dare spettacolarità alle partite.

Una modalità storia ricca

Uno dei punti forti è la modalità Storia, che offre parecchi contenuti e permette di seguire il viaggio dei protagonisti. Per gli appassionati della serie rappresenta probabilmente il motivo principale per cui acquistare il gioco.

La quantità di personaggi è impressionante: oltre 110 giocabili e 22 nazionali, con tantissime mosse speciali. (Nintendo)

Non tutto è perfetto, però. La narrazione può interrompere abbastanza frequentemente il ritmo delle partite e in alcuni momenti si ha la sensazione di guardare più un episodio interattivo dell’anime che di giocare una partita.

Ma, sinceramente, per un gioco di Captain Tsubasa è quasi parte del divertimento.

I difetti ci sono

Il gioco non è esente da problemi.

L’intelligenza artificiale dei compagni non sempre convince e capita di vedere giocatori controllati dalla CPU posizionarsi male o non intervenire quando sarebbe necessario. Anche il cambio del giocatore può risultare qualche volta poco preciso. (SpazioGames)

Inoltre, chi cerca una componente competitiva profondissima potrebbe rimanere deluso: il titolo punta soprattutto sullo spettacolo, sulla storia e sul divertimento immediato.

❤️ Il verdetto

CAPTAIN TSUBASA 2: WORLD FIGHTERS è un gioco fatto soprattutto per i fan.

Non cerca di diventare il nuovo simulatore calcistico definitivo e fa bene: la sua forza è trasformare il calcio in un gigantesco spettacolo anime.

Su Nintendo Switch funziona bene soprattutto grazie alla possibilità di giocarlo comodamente anche in portatile. Le tante super mosse, il grande numero di personaggi e una modalità storia ricca rendono l’esperienza decisamente più completa rispetto al passato.

Non è perfetto, ma quando parte una super mossa e senti quella vecchia sensazione di quando guardavi Holly e Benji da bambino, tutti i difetti passano momentaneamente in secondo piano.

⭐ VOTO: 8/10

Gameplay: 8
Grafica: 8
Sonoro: 8,5
Longevità: 8,5
Divertimento: 9
Nintendo Switch: 8

Consigliato: sì, soprattutto agli appassionati di Captain Tsubasa/Holly e Benji e a chi cerca un gioco di calcio arcade spettacolare e completamente fuori dagli schemi.

fonte paladinidelvideogioco.it